+ cÓmic · 2020. 9. 9. · 4 imágenes tomadas del libro entender el cómic: el arte invisible....
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+ CÓMIC
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Editorial
Este número esta dedicado al cómic para ampliar su difusión a otros públicos como los
jóvenes y los adultos. En primer lugar, quiero dar un concepto general de lo que significa el
cómic y para ello recurrí a las obras de dos grandes artistas para definirlo: Will Eisner y
Scott McCloud. Luego para dar un contexto amplio del comic fue necesario dar unas líneas
generales sobre sus orígenes los hechos más relevantes que han marcado la historia del
cómic para finalmente exponer a Marvel, una de las franquicias más importantes del
género para mostrar cómo el cómic se ha potenciado hacia otros medios para expandirse.
El resultado es esta revista digital que no pretende ser un estudio profundo sino más bien
una experiencia que me permitió explorar varias fuentes como los libros de estudio y
análisis sobre el género, cómics, videos, podcast y mi experiencia como lector de este
género. Espero poder compartir y transmitir a ustedes los lectores esta pasión que tengo
por este género.
Juan Manuel Martínez Chaparro
Contenido
Lo que no puede faltar… ¡¡La definición del cómic!! 3
Qué mesías… ¡¡Nació el cómic!! 4
Algunos pioneros del cómic del siglo XIX 7 El cómic en estados Unidos 10 ¿Mientras tanto qué pasaba en oriente? 12
En otros puntos de Europa… 13
El Tebeo en España 14
Y qué pasaba en Latinoamérica 14 A modo de pausa 15 Y bueno.. ¿qué es Marvel? 16 ¿Quienes son los padres que dieron la vida a Marvel? 19
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Lo que no puede faltar… ¡¡La definición del
cómic!!
La Real Academia Española define al comic como “una serie o
secuencia de viñetas que cuenta una historia” (Real Academia
Española, 2020). Desde mi perspectiva esta definición se queda
corta en palabras ya que de lo que e investigado del género del
comic este tiene varias definiciones de las que uno se puede
apoyar para entender esta expresión artística que a
acompañado al ser humano desde sus principios.
Como punto de partida podemos tomar a Will Eisner influyente
historietista quien inventó el término arte secuencial como una
de las más importantes definiciones del cómic. Eisner nos dice
que el arte secuencial es “el acto de tramar un tejido” y se
refiere a los distintos elementos que interactúan entre si para
narrar un relato. Para Eisner el comic-book consiste en un
montaje de palabra e imagen que le exige al lector durante su
lectura diversas facultades tanto visuales y las verbales. Una
cosa interesante es que ciertos elementos del dibujo como lo son la perspectiva, simetría,
pincelada, se entrelazan con los elementos básicos de la literatura que emplea el cómic
como la gramática, el argumento y la sintaxis, dándonos a entender también que la
percepción estética y recreación intelectual es un acto doble en la lectura de comic book
(Eisner, 2002).
Sin embargo, podemos ampliar la visión sobre los cómics
con un autor, ensayista y teórico que retomó las ideas y
metodologías de Eisner para darnos una definición más
concreta, se trata de Scott McCloud quien considera que:
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Imágenes tomadas del libro Entender el cómic: El arte invisible.
McCloud se había dado cuenta que la definición que Eisner había propuesto en su libro era
muy general para definir el cómic, ya que arte secuencial también está presente en el cine
animado cuando realizan toma por toma, los vitrales y hasta en los diagramas. Por ello se
empeñó en realizar una definición mas específica sobre el tema, haciéndonos entender
que el cómic no solo es un medio para expresar arte o sentimientos sino que es todo un
universo sin descubrir que abarca muchos campos como: el artístico, literario, político,
social, entre otros. (McCloud, 2019)
Tanto para Eisner como para McCloud, el cómic debe tener un efecto en el lector que
puede ser el de conmoverlo, informarlo, divertirlo, entretenerlo, etc.
Qué mesías… ¡¡Nació el cómic!!
Sobre el origen del cómic, las opiniones de varios expertos generan confusión al momento
de hablar de su nacimiento pues algunos consideran que el momento preciso es cuando
nace la prensa escrita, sin embargo otros consideran que la narración gráfica ha existido a
lo largo de la historia de la humanidad como un medio de comunicación entre los seres
humanos para describir o ilustrar acontecimientos, anécdotas o emociones y por ello es
importante tener este referente.
Las pinturas rupestres pueden considerarse como las primeras ilustraciones creadas por
nuestros antepasados para contar sus grandes hazañas por ejemplo en la caza de animales
para subsistir. Una prueba de ello son las pinturas de Altamira, descubiertas en España y
considerada la “Capilla Sixtina” del arte rupestre. En ellas se puede apreciar imágenes de
bisontes, ciervos y caballos hechas con trazos negros y pintadas con tonos rojizos que no
solo son un legado artístico para la humanidad sino también fuente de información para
estudiar la prehistoria.
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McCloud referencia en su libro el arte egipcio como uno de los antecedentes del comic y
toma como ejemplo la tumba de “Menna” que con jeroglíficos plasmaron sus historias que
podían leerse en zigzag y hacia arriba. Se asemejan a los comics de no ser por la falta de
textos en la historia.
Otra ejemplo de narración gráfica que nos brinda McCloud es el fragmento de una
epopeya de una civilización precolombina que ubicada en México, que a través de un
manuscrito plegable con ilustraciones llenas de colorido cuentan las hazañas del guerrero
Imagen tomada la revista Muy Interesante. Disponible en
https://www.muyinteresante.es/ciencia/fotos/pinturas-cuevas-altamira
Imagen tomada
del libro Entender
el cómic: El arte
invisible.
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8-Ciervo “garra de tigre”. En ellas se puede apreciar como algunas imágenes funcionan
como textos y la secuencias de los sucesos.
O
t
r
a muestra de narración como antecedente del cómic y es el Tapiz de Bayeux que en sus 70
metros y medio cuenta la conquista de Inglaterra por los Normandos en el 1066 en un
orden cronológico y segmentadas por escenas temáticas.
El portal ABC cultura afirma que a través de una serie de cincuenta escenas acompañadas
de un texto explicativo en latín, se asemeja a las viñetas de un cómic actual y que de
hecho, algunos especialistas lo consideran el primero de la historia.
Imagen tomada del Museo Nacional de Antropología (México) https://www.mna.inah.gob.mx/detalle_huella.php?pl=La_vida_del_senor_8_Venado-Garra_de_Jaguar
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Estas son algunas evidencias que muestran como la narración grafica de una u otra manera
han estado presentes en la historia de los seres humanos.
Sin duda un hecho importante que marcó el nacimiento del cómic fue la invención de la
imprenta a mediados del siglo XV por Johannes Gutenberg, al permitir reproducir obras
literarias en un menor tiempo. Posteriormente las técnicas de impresión se fueron
perfeccionando para que en el siglo XVI apareciera la prensa escrita, y luego en el siglo XIX
ésta se convirtiera en medio masivo de comunicación y con importantes figuras que darían
inicio del cómic tal como lo conocemos hoy en día (Vilches, 2014).
Imagen tomada de ABC Cultura de https://www.abc.es/cultura/abci-resuelto-enigmatico-origen-tapiz-bayeux-tesoros-mas-celebres-edad-media-201910281818_noticia.html?ref=https%3A%2F%2Fwww.google.com%2F
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En Suiza encontramos al profesor Rodolphe Töpffer quien con sus historietas en formato
apaisado y con trazos delgados es considerado como el precursor del cómic moderno.
El desarrollo de la litografía que es una técnica del grabado permitió incluir ilustraciones de
buena calidad en los diarios para ilustrar o informar algún hecho. No tardarían en
descubrir el verdadero poder del grabado como medio de crítica contra el sistema y con
ello el nacimiento de la caricatura con fines satíricos. El más importante grabador fue el
francés Honoré Daumier quien renovó recursos gráficos que influyeron en la forma de
hacer caricatura y más tarde al cómic.
Algunos pioneros del cómic del siglo XIX Rodolphe Töpffer (1799-1846) Suiza, Siglo XIX
Intelectual respetado de su época y gran dibujante de paisajes
y profesor. En un intento de dejar el aburrimiento creó las
primeras historietas a las que llamó Garabatos y que
distribuyó entre sus alumnos de clase y luego publicó en
Europa logrando reconocimiento.
Imagen tomada de Comic Alliance https://comicsalliance.com/tribute-rodolphe-topffer/
Fotografía tomada de
https://www.pinterest.es/sean__higgins/rod
olphe-töpffer/
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Wilhelm Bush (1832-1908)
Alemania, Siglo XIX
Es una de las figuras más representativas del cómic. Estudió la
Academia de Bellas Artes de Amberes y posteriormente en la de
Múnich. Trabajó para los periódicos satíricos Fliegende Blätter y
en Münchner Bilderbogen donde publicó Max y Moritz, su obra
más conocida y traducida a más de 90 idiomas. Además de sus
caricaturas con sentido crítico social también fue poeta y escritor
de cuentos y sagas.
Honoré Daumier (1808-1879) Francia, Siglo XIX
Comenzó a trabajar muy joven, inicialmente
en un tribunal y luego en una librería. Se
dedicó a estudiar el dibujo y la pintura. Su
trabajo como escultor, pintor y especialmente
grabador tiene gran influencia de Voltaire y
Rousseau y también se caracterizó por lanzar
ácidas críticas a los políticos de su época en
periódicos como La Silhouette o Le Charivari.
Obras como Gargantúa o El cuerpo legislativo
le trajeron problemas con la justicia e incluso
una temporada en la cárcel por caricaturizar al
rey Luis Felipe I.
Información y autorretrato tomada del libro Max y Moritz
Imagen tomada de
https://upload.wikimedia.org/wikipedia/com
mons/0/03/Honore_Daumier-Nadar.jpg
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El cómic en estados Unidos
En Estados Unidos, la prensa se desarrolla en las últimas décadas del siglo XIX y con el
aumento de personas que pueden estudiar permitieron la consolidación de grandes imperios
de la comunicación que renovaron la manera de hacer periodismo y la edición de los
periódicos dando una relevancia a la imagen y el color. Se trata de William Randolph Hearst y
Joseph Pulitzer, este último dio el nombre al premio de periodismo más importante del
mundo.
En 1895 aparece por primera vez en la
edición dominical New York World la
primera página de historieta a color:
Hogan´s Alley (el callejón de Hogan), de
Richard Felton Outcault, en la que se
mostraba una única ilustración
acompañada de un texto con escenas de
la vida cotidiana de una pandilla de niños
en un barrio pobre de New York. Entre
sus personajes se encontraba un niño
calvo vestido con un camisón amarillo:
The Yellow kid. Tal fue el éxito de
Hogan´s Alley que Hearst decidió
declararle la guerra a Pulitzer
contratando a todo el personal
encargado del suplemento dominical del
New York World incluido a Outcault para
crear una nueva publicación llamada
America Humorist. Pulitzer entabló una
demanda donde el tribunal le permitió
seguir publicando Hogan´s Alley con
otros artistas y Outcault podía seguir
dibujando a sus personajes pero sin
firma. Tal fue el escandalo que la
situación generó toda clase de burlas en
caricaturas y con ello el termino prensa
amarillista para referirse a los periódicos
sensacionalistas producto de este comic.
Así comenzó a crecer la demanda por el cómic que poco a poco fue creando sus propias reglas
y recursos para narrar como los bocadillos, las onomatopeyas e incluso la forma de leer de sus
viñetas.
Durante as dos primeras décadas del siglo XX se destacan cinco creadores que vale la pena
mencionar:
Rudolf Dirks realizó una versión de la tira Max y Moritz de Busch y como resultado obtuvo The
Katzenjammer Kids que cuenta las travesuras de os hermanos Hans y Moritz le hace a su
madre y a Der el Capitán , un nuevo personaje que crea Dirks motivado por la guerra con
Cuba.
Imagen tomada de Wikipedia
https://upload.wikimedia.org/wik
ipedia/commons/a/a3/1896-11-
15_Yellow_Kid.jpg
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Winsor McCay cultivó la ilustración y fue un pionero del cine de animación. Conocido por
experimentar sin prejuicios, hizo avanzar el lenguaje del cómic y desarrolló muchos recursos
narrativos y estéticos que hoy se siguen utilizando. Su mejor creación es Little Nemo in
Slumberland (El pequeño Nemo en el país de los sueños) considerada como la primera obra
maestra de la historia del cómic.
Imagen tomada de Wikipedia https://en.wikipedia.org/wiki/The_Katzenjammer_Kids#/media/File:Katzenjammer_Kids_(1897-12-12).jpg
Imagen tomada de Diario de Centro América https://dca.gob.gt/noticias-guatemala-diario-centro-america/winsor-mccay-el-
sonador/
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George Herriman creó una obra maestra llamada Krazy Kat, una serie no tiene continuidad ni
coherencia y se basa en el surrealismo, la imaginación, el humor y la improvisación. Krazy es un
gato de sexo indefinido y le encanta Ignatz, un ratón gruñón quien permanentemente le lanza
ladrillos con una sorprendente puntería. Pupp, el policía canino guarda un secreto de amor por
el gato. Una obra que trató temas de los que no se hablaban en su momento la
homosexualidad y el racismo.
Frank King creador de Gasoline Alley, una serie que se
ha publicado de manera continua desde 1918 hasta
nuestros días. King estuvo al frente de ella hasta 1956
y en ese tiempo desarrolló un particular universo
donde introdujo una novedad que la llevaría al éxito:
mientras que las demás tiras cómicas de la época
vivían sus peripecias en tiempo determinado en
Gasoline Alley el tiempo transcurría a la par que el
mundo real, es decir que sus personajes a o largo de
los años crecían, se casaban, se jubilaban y por claro
también se morían. Esa característica de dio la
dimensión de saga y de historia sin fin. Este fue otro
creador que tuvo la oportunidad de desplegar
experimentos narrativos y formales con el color y las
viñetas.
Imagen toda del canal RTVE https://www.rtve.es/noticias/20190805/krazy-kat-mejor-comic-historia-edicion-
espectacular/1976359.shtml
Imagen tomada de Amazon https://www.amazon.es/Gasoline-Alley-Complete-Sundays-1920-
1922/dp/1616553340
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Elzie Crisler Segar es el autor de Thimble Theater y de
su célebre personaje Popeye el marinero tuerto que
vive extrañas aventuras por todo el mundo. La serie
obtuvo enorme reconocimiento y se fijo en la mente
de niños y adultos su reiterado mensaje por el
consumo de espinacas. Aunque su creador fallece
joven como consecuencia de una leucemia, la tira
continuó publicándose en manos de otros artistas.
¿Mientras tanto qué pasaba en oriente?
A la historieta en Japón se le denomina manga y significa dibujo involuntario o grotesco, un
término ideado por el pintor Katsushika Hokusai en 1914 cuando editó una colección de
dibujos satíricos titulado Hokusai Manga.
Esta obra se ha convertido en un referente para muchos artistas del manga y las bases de su
particular lenguaje narrativo, que se diferencia del occidental en la lectura que se hace de
derecha a izquierda, los recursos como las líneas
cinéticas, la deformación de las figuras, etc.
El manga tiene dos orígenes: el primero se debe
a la rica tradición pictórica del Japón y el
segundo a la publicación de la revista satírica
Japan Punch en 1862 ideada por el inglés
Charles Wirgman en un momento donde se
caracterizó por al apertura cultural de la era
Meiji. Veinticinco años después aparece la
revista Toba-e editada por otro extranjero para
ser distribuida a un público de extranjeros. De
estas dos revistas el manga imitó sus primeros
formatos.
Unos de los artistas pioneros del manga japonés
es Rakuten Kitazawa (1876 - 1955), reconocido
por ser el primer mangaka (creador de
historietas). Estudió pintura tradicional japonesa
y también la pintura occidental. Luego de
trabajar en varias publicaciones con enfoque
internacional llega al periódico Jiji Shimpo
como ilustrador pero con el tiempo logró
Imagen tomada de el diario El País https://elpais.com/cultura/2019/01/09/actualidad/1547061745_112667.html
Tagosaku y Mokube visitan Tokyo, 1902. Imagen
tomada de la revista cultura Ecos de Asia
http://revistacultural.ecosdeasia.com/el-primer-mangaka-profesional-la-figura-olvidada-de-rakuten-kitazawa/
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trabajar en el suplemento dominical dedicado a caricaturas, viñetas y tiras cómicas tomando
como modelos los diarios estadounidenses. Allí nació su obra Tagosaku y Mokube visitan Tokio
que narra de manera cómica la historia de dos personajes que desconocen la vida urbana.
Así el cómic occidental y el orietal se desarrollan de manera simultánea pues los pasos del
manga coinciden con el estallido de la prensa en estados unidos que lleja a Japón a incidir con
la expriementación de recursos, estilos y géneros. Previo a la primera guerra mundial se dieron
toda clase de mangas para los diferentes públicos y ya en la segunda guerra mundial, luego de
una economía en crisis el manga logra sobrevivir.
Otro artista pionero es Osamu Tesuka (1928 – 1989) reconocido como el dios del manga y
quien revolucionó la manera de hacer cómic después de la segunda guerra mundial. Tesuka
con solo dieciocho años publica en forma de tomo Shin Yakarajima (la nueva isla del tesoro)
con una alta influencia del cómic occidental y la animación, entre ellos los ojos enormes que
tomó de las películas de Disney. Una de sus obras más populares es Astro Boy y la más extensa
es Hi-No-Tori (Fénix).
En otros puntos de Europa…
Mientras en Estados Unidos se recuperaba de la crisis económica de los veinte y se producía el
nacimiento de los comic-books, en Europa y específicamente en Francia, las historietas de la
prensa crecían de manera importante, incluso con la publicación de personajes de Disney.
Una figura notable del comic en Bélgica es Hergé y su personaje más famoso: Tintín, un joven y
valiente periodista que recorre el mundo en compañía de su perro Milú y del capitán gruñón
Haddock. La colección conocida como Las aventuras de Tintín y que hoy se sigue publicando,
ha sido bastante criticada por sus contenidos ideológicos y racistas pero que luego de la
segunda guerra mundial iría cambiando a una postura más humanista y tolerante.
Imagen de Tintín tomada de la editorial Juventud. https://www.editorialjuventud.es/personajes/tintin/
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Sin duda un referente en el comic francés es René
Goscinny quien en compañía de Albert Uderzo,
crearon Asterix: le Gaulois (Astérix el galo), una
colección de más setenta álbumes publicados en
varios idiomas, series de televisión y películas. Sus
personajes Asterix es el campeón de la aldea que con
su fiel amigo Obelix se enfrentan a los romanos para
defender la aldea gala en un momento histórico de
expansión del imperio romano. La resistencia de
Asterix se da gracias a una pócima mágica que lo hace
increíblemente fuerte y los poderes de Obelix se
deben a que cuando pequeño cayó en un recipiente
de poción mágica. Aunque Goscinny ya murió Uderzo
sigue ocupando se de las historias.
El Tebeo en España
Uno de los agrandes del Tebeo (historieta) en España es Coll i Coll reconocido por su humor
mudo. Su obra más famosa es Jamito editada en 1944 por la editorial Bruguera que pronto se
convertiría en el trampolín de muchos artistas del cómic. En la editorial se destacan cinco
figuras: Josep Escobar creador de Carpanta, Zipe y Zape y Petra, criada para todo; Guillermo
Cifré autor de Don Césped y El repórted Tribilete; José Peñarroya dibujante de Gordito relleno;
Eugenio Giner padre del Inspector Dan; y Carlos Conti especialista en chistes. Estos cinco
artistas vendrían a fundar después la revista Tío Vivo en un intento por separase de la editorial.
Otro grande que vale la pena mencionar es Manuel Vásquez caracterizado por una enorme
imaginación y la capacidad de plasmar en sus obras el humor negro y el absurdo. Sus
personajes mas famosos son Mortadelo y Filemón, agencia de información.
Y qué pasaba en Latinoamérica
En México es importante destacar las revistas como Paquito, Pepín y Chamaco donde Gabriel
Vargas tendría un importante participación en las dos últimas para luego crear la serie Los
Superlocos. Otra serie conocida de este país es La familia Burrón que fue un fiel reflejo de la
sociedad mexicana.
Un acontecimiento fundamental en México fue la creación de la editorial Novaro en 1949 que
con el tiempo se fue consolidando como una importante franquicia de comics de Disney, DC
Comic y Marvel Comics, pero también de la publicación de obras de artistas locales.
En Argentina se destaca la revista Rico tipo, fundada en 1944 por José Antonio Guillermo Divito
y dedicada especialmente al humor. En Brasil fue un poco más tardío el desarrollo de la
historieta con la creación de personajes como Pereré de Ziraldo Alves Pinto y por los
personajes creados por Mauricio de Sousa, reconocido autor y creador de personajes como
Mónica, Cebolinha o Cascao.
Imagen tomada de
https://www.asterix.com/es/coleccion/al
bumes/el-papiro-del-cesar/
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A modo de pausa
Se quedan por fuera muchos artistas y obras que merecen un estudio más extenso y que por
espacio y tiempo no se pueden referenciar aquí. Lo importante fue tratar de ofrecer un
panorama bastante general para hacerse una idea de la enorme influencia que ha tenido el
cómic como literatura, como arte y como forma de comunicación y hasta una fórmula de
negocio que mueve en el mundo importantes sumas de dinero.
Un tema que también se queda pendiente en este recorrido es el desarrollo de la novela
gráfica que requiere de estudio y de bastantes horas de lectura.
Y bueno.. ¿qué es Marvel?
Marvel es una franquicia que tiene una sede en Nueva York y se divide en dos campos
artísticos: el cinematográfico y el del comic. Con la supervisión de Kevin Feige (presidente
actual) y la empresa de Walt Disney, la franquicia se dedica a la creación de comics-books y de
piezas cinematográficas desde los años 1939 hasta hoy, con el propósito de mostrar a su
público elementos artísticos con diversas narrativas e historias de personajes ficticios con
cualidades sobrehumanas o que el ser humano no es capaz de poseer. En su gran mayoría, las
historias se cuentan con su propio universo narrativo pero cabe resaltar que los escritores,
ilustradores y guionistas también han combinado diversos personajes, tramas y lugares, planos
y universos para darle un mayor interés a sus historias.
Los proyectos que Marvel ha llevado a su público con la finalidad de entretener, han
demostrado ser de buena calidad, originales y con buena dirección generando así un impacto
importante en las personas que consumen sus productos.
Es larga… pero aquí te va la historia de Marvel
Desde sus inicios Marvel ha sido una de esas empresas las percepciones sobre los cómics
dadas las críticas y censuras a las que se ha sometido, pero también el estatus que ha venido
adquiriendo con el tiempo. Para entender estos importantes cambios que ha logrado esta
Logo de la empresa Marvel tomada de
https://es.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
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franquicia, gracias al ingenio y la creatividad de las personas que la han acompañado, es
necesario devolvernos al año 1939 donde empezó todo.
En 1939 un grupo de editores, ilustradores y escritores se reunieron para discutir la idea de
fundar una empresa que ayudara a impulsar sus carreras dada la influencia del cómic que
estaba teniendo en ese momento. Una de las personas que estaba en ese grupo, fue el editor
estadounidense de revistas llamado Martin Goodman, quien después de este suceso se
dedicaría a la creación de Timely Comics con un enfoque hacía los superhéroes, ya que
después de la creación y publicación de Superman y Batman por parte de National Allied
Publications (DC Comics actualmente) generó en el público conmoción e interés abriendo así
una ventana hacia el género del cómic mas explotado en la historia.
Goodman para hacerle frente a sus rivales del momento contrató a Bill Everett y Carl Burgos
para que pensaran en unos personajes que fueran la imagen representativa de la compañía,
creando así a Namor como el gran gobernante del mar y Atlantis, también a la Antorcha
Humana como a un experimento dedicado a salvar el día. Estos personajes tuvieron gran éxito
que hasta sus seguidores pidieron desesperadamente que estos interactuaran entre sí,
creándose de esta manera colaboraciones entre Namor y la Antorcha Humana e incluso peleas
que se desarrollaron en varios escenarios opuestos a los elementos de agua y fuego.
La Segunda Guerra Mundial necesitaba el apoyo de todos los ámbitos sociales para confrontar
al enemigo y ganar la guerra, por tal razón la empresa de Timely Comics junto a otras se
dedicaron a enviar a sus héroes a pelear contra el enemigo principal es decir, a los nazis. Esta
simple acción de mostrar a los héroes mas vistos peleando con el verdadero enemigo generó
entre la gente conmoción y un apoyo muy amplio para que su país librara esa guerra. Por otro
lado, el gobierno agradeció a todas estas empresas que permitieran la circulación de los
comics a los soldados que estaban peleando en la guerra generando así un importante
incremento en las ventas de los cómics de Namor y la Antorcha Humana. Esta fue la era de oro
de los cómics por la gran aceptación que tuvieron.
Después de que la guerra terminó, en los años cincuenta los cómics se volvieron menos
recurrentes entre la gente, poco interesantes y repetitivos, lo que generó bajas en la
distribución y las ventas asegurando la caída de varias empresas de comics incluyendo a Timely
Comics que cayó en bancarrota dejando de vender por un buen tiempo sus cómics. La
catástrofe duró hasta los sesenta para entonces Goodman se decidiría en crear otra compañía
con el nombre de Atlas Comics que se salvó de la bancarrota al contratar a un joven escritor
con grandes ideales llamado Stan Lee y a un buen ilustrador llamado Jack Kirby, para que
juntos crearan un súper equipo de héroes que hicieran contrapeso a la “Justice League of
America” creados DC Comics. Así nacieron Los cuatro fantásticos, un grupo de personas que en
su intento por llegar a la luna antes que los rusos, fueron afectados por rayos cósmicos en su
travesía espacial otorgándoles grandes poderes. La publicación de Los cuatro fantásticos fue
un punto muy importante en la historia del comic ya que se demostró que el héroe no siempre
es perfecto en lo que hace sino que estos también podían tener “superproblemas” al cometer
errores, tener problemas cotidianos (como pagar la renta o enfermarse), e inconformes sus
poderes o la carga que esto conlleva, lo que generó interés por las personas para que
retronaran a la lectura de comics.
Gracias al éxito que Martin Goodman logró con los cuatro fantásticos decidió cambiar el
nombre de la empresa por Marvel Comics que hace referencia al primer comic que había
publicado. Luego Goodman se dispuso con Stan Lee y Kirby a crear más títulos de superhéroes
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con el mismo enfoque es decir la imperfección en estos seres fantásticos y así, abrirse paso
entre la competencia con el propósito de conseguir grandes ganancias.
En 1962 crearon a “Hulk”, un apocado científico nuclear, Bruce Banner, que al salvar la vida de
un joven imprudente que había entrado en la zona donde se experimentaba con rayos gamma,
fue expuesto a éstos convirtiéndose en Hulk, el coloso verde. Otro título que salió a la luz en el
miso año es el carismático y amigable vecino “Spiderman”, otro enmascarado que bajo su
fachada estaba Peter Parker un adolecente que asistía al instituto, un fracaso al conquistar
chicas y acosado por los típicos matones de la época, huérfano y acogido por sus tíos ancianos,
este chico seria mordido por una araña radioactiva durante una demostración científica, lo
que le confirió sus poderes: fuerza, agilidad arácnida, la facultad de pegarse a las paredes y un
sentido que lo alertaba del peligro. Parker, un genio en ciencias completo en sus poderes con
unos lanzarredes mecánicos que disparaban su fluido arácnido, una sustancia viscosa parecida
a las telarañas.
Este tipo de historietas hicieron que la compañía incrementará las ventas de sus revistas y
aumentará el número de seguidores que las leían, que en su gran mayoría eran adolecentes
que se sentían identificados con estos héroes que hacían el bien contrario a lo que otros
pensaban que los consideraba los comics una amenaza.
Marvel se reincorporó en la industria y superó a DC Comics, con números como los Avengers:
un grupo de súperhumanos conformados por Iron Man, Thor, Capitán America, Hulk, La avispa
y otros más, que se unían contra amenazas que les sobrepasaban individualmente; Los X-men:
personas que a pesar de que hicieran el bien el mundo los considera una amenaza por ser una
“raza superior” a la humana; El Punisher: un hombre que al perder a su esposa a manos de la
mafia, decide hacer justicia él solo pues nadie le brindó ayuda incurriendo en acciones
violentas que justifican sus perdidas y la de los demás, etc.
Con el tiempo Goodman y su equipo contaban con una larga lista de personajes que lograron
ser, en la mayoría de los casos, del interés de las personas. Cabe resaltar que Stan Lee durante
sus años trabajando en la empresa trató de llevar a estos personajes al cine pero tristemente
las cosas que se producían no lograban llamar la atención del público por la baja calidad a
diferencia de los comics.
Tras la muerte de Goodman y la poca relevancia que empezaron a tener los comics en la
sociedad por la llegada de nuevas tecnologías, se crearon varios éxitos cinematográficos tales
como Blade, los X-Men y Spiderman, que lograron captar otra vez la atención del público pero
esta vez en el cine. Marvel aún no lograba conectarse con su público en los cines hasta que
llego Avi Arad que con la ayuda de la compañía Walt Disney lograron desprender a Marvel en
dos campos: el del género del comic y el cinematográfico, dando origen a Marvel Studios que
se enfocaría en mostrar a sus superhéroes en la pantalla grande. Así fue como el 30 de Abril
del 2008 lanzaron la película Iron Man que daría inicio a la franquicia más exitosa en cuanto a
la calidad en la producción, efectos visuales y las narrativas donde se desarrollan las historias,
generando así billones de ganancias y seguidores en todo el mundo. En definitiva el interés
más alto por el genero de los superhéroes lo tiene en este momento Marvel Cómics.
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¿Quienes son los padres que dieron la vida a Marvel?
Martin Goodman fue un editor de revistas estadounidense nacido el 18 de Enero de
1907. En 1939 fundó la
empresa Timely Comics
con el propósito de
generar ganancias gracias
al nuevo estilo de cómic
que se estaba dando en
ese momento. Goodman
con la ayuda de Stan Lee
y Jack Kirby lograron
crear una serie de
personajes que serian la
primera chispa para que la empresa creciera en lo que se refiere a la creación de sus
personajes. En los años 60 gracias a la fama que había conseguido por las obras de sus
colegas, éste se decidió a cambiarle el nombre de Atlas Comics (nombre que
reemplazo a Timely comics en los años 50) por la primer tira de comics que publicó en
su vida, Marvel Comics. Con una empresa próspera contrató a muchos escritores e
ilustradores que crearían a varios personajes como el Punisher, Deadpool, Thor y otros
más. En los noventa Goodman daría comienzo a un proyecto que llamaría Marvel
Entertainment, con el propósito de unir a los comics con la televisión y la
comercialización de las figuras de acción sobre sus personajes. Fallece de neumonía el
6 de Junio de 1992 dejando así un gran legado para los creadores y artistas del Cómic y
en general de la industria del entretenimiento.
Stan Lee o Stanley Martin Lieber fue un gran
escritor, editor y guionista con gran
influencia en el desarrollo del cómic y de la
empresa Marvel. Nace el 28 de noviembre de
1922 en Nueva York. Stan Lee era hijo de dos
inmigrantes judíos que buscaban el sueño
americano, desde pequeño había mostrado
un gran interés por el arte escénico y los
libros. Alistándose años después en la WPA
Federal Theatre Project para mejorar sus
habilidades en el arte de la escritura y la
actuación tuvo que irse a pelear por su país
en la Segunda Guerra Mundial. En los sesenta
Stan Lee este seria contratado por Martin
Goodman por sus habilidades como escritor
de argumentos de cómics y porque además
eran familiares, Goodman estaba casado con
la prima de Stan. En su estadía en Marvel
logró demostrar mucha creatividad y originalidad junto a su colega Jack Kirby al crear a
personajes como: Los cuatro fantásticos, Spiderman, Iron Man, Thor, Hulk, Los
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Avengers, Pantera Negra, Silver Surfer, Los X-men, Doctor Strange, Daredevil y a Nick
Fury. Antes de su muerte en el 12 de Noviembre del 2018, Stan Lee demostró a sus
seguidores, a través de varias películas, que aunque él muriera, el cómic y toda las
ideas creativas que tuvo junto a sus compañeros, perdurarían como un símbolo de que
el cómic es más que una serie de dibujos, es toda una vida de emociones.
Jack Kirby, nacido el 28 de Agosto de 1917, fue el
mejor dibujante o ilustrador estadounidense en la
historia del cómic en Marvel. Trabajó inicialmente
como animador en la empresa Estudios Fleischer y
después se enfocó en varios periódicos para hacer
tiras diarias de historietas. En 1940 Timely Comics lo
contrató para que desarrollara a un personaje que
captara toda la esencia norteamericana en un
súperhumano, creando así al Capitán América, junto a
Joe Simon. En los sesenta se encargó de llevar un
proyecto junto a Stan Lee y fue la creación de Los
cuatro fantásticos como competencia a los de la Liga
de la Justicia. Su éxito se consolidó junto a Stan Lee
con la creación de otros proyectos como Spiderman,
Los X-men y a Hulk. Fallece el 6 de febrero de 1994
convirtiéndose en el rey de la ilustración de los
comics.
Steve Ditko nacido en el 2 de
Noviembre de 1927. Cocreador
de dos de los personajes mas
celebres en el universo de
Marvel: Doctor Strange y
Spiderman. Sus obras se
basaban en aspectos que
llevaran al mundo del los cómics
a otro nivel utilizando el
realismo en sus obras. Sus
aportes en muchas de sus obras
lograron influenciar a otras
generaciones de artistas que
siguen su legado hasta hoy.
Tristemente Steve Ditko falleció
en Junio del 2018.
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